Für diejenigen, die sich eigentlich heimlich ein Depeche Mode-Cover von Metallicas Klassiker „Nothing Else Matters“ gewünscht haben, sei vorweg gesagt: Es ist mehr Dave Gahan & Soulsavers als Dave Gahan in Depeche Mode.
In diesen Zeiten sind wir wohl alle aufrichtig dankbar, dass zahlreiche Künstlerinnen und Künstler nach wie vor aus ihren kreativen Quellen schöpfen. Lana Del Rey, seit 10 Jahren ganz oben in der Musikwelt unterwegs, arbeitete für „Chemtrails Over the Country Club“ erneut mit Co-Writer Jack Antonoff (Lorde, Taylor Swift, Adele uvm.) zusammen.
„All The Shit That You Do“ von Avra & Ida Long ist auf einnehmende Weise unaufdringlich. Ein sanfter Song, der zugleich unwiderstehlich groovt.
Ida Long kennen wir bislang solo: Mit skandinavischem Indie-Pop, darin Nuancen, die an Kate Bush erinnern. Nun wagt sie sich tiefer in den Elektronik-Wald hinein. Kraftvoll exploriert sie gemeinsam mit David Lehnberg als dÁrc ihren härteren Sound, taucht vollständig hinein in die Welt der Elektronik. „Mein letztes Album „Rainbows & Teardrops“ trug viel Herzschmerz und Trauer in sich – „Collider“ stellt nun eine gute Balance dazu her“, beschreibt Ida ihr aktuelles musikalisches Projekt mit David Lehnberg (bekannt als LEHNBERG), ebenfalls aus Schweden. Ich bin überzeugt, dass es gut tut, mehr als nur eine Seite von sich zu be- und verarbeiten. Ida Long (dÀrc) Mit Duo-Partner David entstand ungeplant eine äußerst kreative Zusammenarbeit. „Organisch“, beschreibt Ida Long ihre kreative Beziehung. „Alles begann damit, dass David und ich gemeinsam für ein Festival gebucht wurden. Wir fanden es nur passend, dazu einen gemeinsamen Song zu schreiben. Da wir uns kaum kannten, ergaben sich daraus tiefgründige, lange Gespräche. Anschließend Zuhause, war ich oft so aufgekratzt, dass ich sofort einen neuen Song schreiben musste. Meine Vocals schickte ich dann an David und bereits am folgenden Tag bekam ich den fertigen Track zurück.“ So entstand ihr gemeinsames Werk „Collider“ binnen weniger Monate. Gleich der erste Track …
Lana Del Rey, self-made „Queen of California“ und Botschafterin des sinnlich-luftigen, düsteren Sounds, entzückt uns diesen Sommer mit einem exzellenten Cover des 90er-Klassikers “Doin’ Time” von Sublime. Es vergehe kein Tag, an dem sie nicht mindestens einen Sublime-Song Zuhause höre, erzählte sie kürzlich dem britischen New Musical Express (NME). Für LDR seien die Sublime-Songs die vollkommene Verköperung des Southern California-Vibes. Mit einer typischen Del Rey-Portion Reverbs und zwei bis drei übereinander gelegten Stimmen macht sie den Song, produziert von Andrew Watt, zu ihrem eigenen. Groovende Westcoast-Beats knüpfen stilistisch an einen ihrer besten Songs ihres 2017er „Honeymoon“-Albums an: „Summer Bummer“. Wie damals setzt LDR bei „Doin‘ Time“ ihre unverkennbar sinnliche, verträumte und zuweilen entrückte Stimme ein, um Bilder von kalifornischen Palmen über azurblauen Pools neben rosa Flamingos heraufzubeschwören. Und Lana haucht mahnend dazu: „Evil/ I’ve come to tell you that she’s evil most definitely/ Evil“ – während sie, auf einer Terrasse mit Blick über Los Angeles, mit beiläufiger Eleganz eine eiskalte Dose Coke mit ihren kirschrot lackierten Fingern umfasst. Trotz der vermeintlich perfekten Idylle spürt man in der schwülen, sonnigen Luft bereits das herannahende Sommergewitter, warme Regentropfen und den dampfenden Asphalt. Nach den bereits erschienen Vorboten ihres für den 30.08.2019 angekündigten …
„Tranz“, die bereits sechste Veröffentlichung aus dem aktuellen Gorillaz-Album „The Now Now“ ist ein kaleidoskopbunter Tanzrausch. Zu 80er-Synthies und einer hypnotischen, düsteren Bassline dürfen wir das erste Live-Performance-Video in der fast zwanzigjährigen (!) Karriere der Gorillaz erleben – abgesehen vom Live-Auftritt bei den MTV EMAs 2010, wo sie als Hologramme auf der Bühne standen. Regie führte erneut Gorillaz-Mitbegründer Jamie Hewlett, unterstützt von Nicos Livesey, den Animationsprofis Blinkink sowie Eddy. Visuell bekommen wir eine Mischung aus klassischen, handgezeichneten Animationen sowie Knetgummifiguren, die am Ende in sich zusammenfallen. Verändern wir im Tanz unsere Gestalt, lösen sich unsere Formen gar ganz auf? „Do you dance like this/ Forever/ Do you live like this/ Forever“? Musikalisch erinnert die Synthiemelodie in ihrer Verspieltheit sogar ein wenig an die frühen Depeche Mode, während im Refrain eine fast schon sakrale Stimmung mitschwingt. Die Band spielt sich in eine psychedelische Trance, ganz vorn natürlich 2D (mit der Stimme Damon Albarns), unterstützt von seinen Bandkollegen Noodle (Gitarre), Russell Hobbs (Schlagzeug) und Gangreen Gangs Ace, der für den aktuell einsitzenden Murdoc Niccals den Bass übernommen hat: Ein verrückter Trip mit Frankenstein, flimmernden Farben und kleinen Kätzchen.
Eine wunderschöne Choreographie in einem, für Florence + The Machine, sehr minimalistischen Video: Die neueste Veröffentlichung „Big God“ aus dem aktuellen Album „High As Hope“ wartet darüber hinaus mit musikalischen Beiträgen von Jamie xx und Kamasi Washington (Bläser) auf. Doch es wären nicht Florence + The Machine, könnte die Band nicht auf einen Funken Epik verzichten: Inspiration zum Video war, laut Regisseur Autumn de Wilde, ein Gemälde des berühmten Spaniers Francisco de Goya: „Hexenflug“. Der Gedanke dahinter: Die Frauen in diesem Gemälde verbinden sich auf eine Weise miteinander, die sie, im wörtlichen Sinne, emporsteigen, in die Höhe wachsen lässt. Im Mittelalter wurden solch starke Frauen gerne mal als Hexen beschuldigt – das nur am Rande. In „Big God“ zeigt Florence Welch wieder einmal wie viel tänzerische Ausdruckskraft in ihr steckt. Kannte man sie zu Beginn ihrer Karriere als dramatisches, unnahbares rothaariges Fabelwesen, könnte ihre Wandlung bis heute nicht deutlicher werden: Nahezu ungeschminkt, hautfarbenes Kleid – nackt im wörtlichen Sinne – legt sie den Fokus nun auf ihre Bewegungen. Sie lässt los, lässt ihre Kraft sprechen. Hinter ihr, einer Armee nicht unähnlich, verschiedene Frauen, in verschiedenfarbige transparente Chiffon-Tücher gehüllt. Die verschiedenfarbig gekleideten Frauen sind eine Abstraktion von Florence, als wäre jede Frau ein …
Das hat nicht lange gedauert. Florence + The Machine legen mit „Hunger“ die zweiten Veröffentlichung ihres anstehenden Albums „High As Hope“ nach. Ein auffällig positiver, geradezu gut gelaunter Song – sowas haben wir seit „Dog Days Are Over“ nicht mehr so deutlich von ihr gehört. Sängerin Florence Welch erinnert sich an ein altes Ich, wie sie als 17-jährige noch dachte, dass Liebe eine Art Leere sein müsste. Bis sie zu verstehen lernte, dass es immer irgendeine Form des hungrig Seins geben würde. Immer versucht man, den Hunger zu stillen, immer und immer wieder. Bis man realisiert, dass er nachlässt, wenn man loslässt. Im Interview mit der BBC beschreibt Florence Welch: „It’s a lot of letting go.“ Sie vergisst, sich zu sorgen, kann sich wieder entfalten. Regisseur AG ROJAS symbolisiert diesen Prozess in einem detailreichen, bunten Video. Besonders herausragend: Die steinerne Skulptur, aus der am Ende Blüten sprießen. Schaut es Euch an, behaltet den Text dabei im Ohr, und geht auf Entdeckungsreise.
Nach ihrer wahrhaft epischen Katharsis “How Big, How Blue, How Beautiful” (siehe unsere Rezension von 2015), in der sie neben ihrer Familiengeschichte vordergründig das Scheitern einer langjährigen Beziehung verarbeitete, musste eine Weile vergehen, um zu heilen. Nun ist Florence Welch, rothaarige Elfe, nach gut drei Jahren mit ihrer Band Florence + The Machine zurück. „Sky Full Of Song“ wagt sich behutsam Richtung gefasstem Neuanfang. Mit der Erkenntnis, dass gewisse Dinge vielleicht nie heilen, aber erträglicher werden. Musikalisch vertraut und doch einen Ticken zurückhaltender, baut sich „Sky Full Of Song“ langsam und elegant auf, entfaltet sich am Ende mit Chören, getragen von einem stetigen Bassrhythmus. Ihr Song wirkt demütig vor dem Gefühl und gefasst von der Selbsterkenntnis. „I was kissing strangers, I was causing such a scene“ – die Flucht in ihre Musik, die Flucht vor ihrem „thunder“, „hiding in a sky full of song“. Denn was sich nie ändern wird, ist Florences Verletzlichkeit inmitten ihrer steilen Höhenflüge: „Sometimes when you are performing you get so high, it’s hard to know how to come down. There is this feeling of being cracked open, rushing endlessly outwards and upwards, and wanting somebody to hold you still, bring you back to yourself. It’s an …
Ja, manchmal fragt man sich, ob es noch etwas neues, etwas bahnbrechendes zu Lana Del Rey zu schreiben gibt, das man nicht bereits geschrieben hat. Man könnte schreiben, wie Lana Del Rey.
Disco, Disco, Disco. Mit ihrer neuen Single „Strobelite“ (featuring Peven Everett) ihres Albums „Humanz“ nehmen uns Gorillaz‘ mit auf die Tanzfläche. Es erinnert an die besten Tanzszenen in Filmen: Hier ein wenig Saturday Night Fever, da ein wenig Pulp Fiction und dazu eine Prise Hell’s Club.
Ein Mann hält seine leicht zerzauste, blondhaarige Freundin schützend im Arm, um sie beide herum eine schmutzig rosa weiße Bettdecke gelegt. Im Hintergrund die stille Verwüstung von Woodstock: schlafende Menschen, Schlamm, leere Flaschen, undefinierbarer Abfall. Eine Schmetterlingsfahne, orange- und zitronenfarben: beinahe trotzig hebt sie sich gegen den Schmutz ab. 1969, der dritte Tag des Woodstock-Festivals: „Peace and Love“. Mitten im Vietnamkrieg, nach den Kennedymorden, Rassenunruhen und der Ermordung Martin Luther Kings, im Jahr der Mondlandung, schien die Welt für einige wenige Tage ein bisschen in Ordnung zu sein. Ein Zufluchtsort voller Musik. Heute erscheint mit „Lust For Life“ Lana Del Reys viertes offizielles Studioalbum. Ganz wie die zwei Liebenden auf dem inzwischen ikonischen Woodstockfoto ist es ein Manifest für die Lust am Leben. Lana Del Rey klingt immer noch ihrem eigenen Genre und darin erfindet sie sich stets neu. Inmitten eines immer düster werdenden Amerikas hebt sich Lanas Musik hervor, trotzig wie der Schmetterling im Woodstockfoto, standhaft wie die zwei Liebenden. „Coachella (Woodstock In My Mind)“, inspiriert von den Spannungen zwischen Amerika und Nordkorea, strotzt nur so vor Sehnsucht nach Veränderung. Coachella als blasses Abbild einer einst so hoffnungsvollen, kraftvollen Bewegung. Was ist daraus geworden? Lana betet für etwas Besseres – mit einer Led Zeppelin-Referenz: „I’d trade …
