Violator: Das Meisterwerk von Depeche Mode feiert sein 35-jähriges Jubiläum

Manche Alben sind Momentaufnahmen, andere prägen eine Ära. „Violator“ von Depeche Mode gehört zur zweiten Kategorie. Mit seiner Mischung aus düsteren Synthesizern, eingängigen Melodien und atmosphärischer Dichte setzte es 1990 neue Maßstäbe in der Musiklandschaft. Auch über 30 Jahre später gilt das Album als Meilenstein – geschätzt von Fans, anerkannt von Kritikern und bis heute ein wichtiger Bezugspunkt für viele Künstler. Wir blicken mit euch zurück auf ein Werk, das Dave Gahan später einmal mit Michelangelos Sixtinischer Kapelle vergleichen wird.

Beginnen wir unsere Zeitreise im Jahr 1989. Weltpolitisch erleben wir mit dem Ende des Kalten Krieges gerade eine geopolitische Zeitenwende. Depeche Mode hatten im Jahr zuvor mit ihrem Album „Music For The Masses“ in den USA ihren Durchbruch gefeiert. Höhepunkt der Welttour mit 101 Konzerten war der frenetisch gefeierte Auftritt im Rose Bowl-Stadion von Pasadena vor über 66.000 Fans, der von D.A. Pennebaker im Konzertfilm „101″ festgehalten wurde. Dave Gahan, Martin Gore, Andy Fletcher und Alan Wilder sind Mitte 20 und so populär wie nie zuvor. Ein neues Album steht an.

Die Voraussetzungen dafür sind gut. Der kommerzielle Erfolg von „Music For The Masses„ und der dazugehörigen Tour hatte der Band neue finanzielle Freiräume geschaffen. Zeitgleich befindet sich die elektronische Musik im Aufwind: House, Techno und Rave bahnen sich gegen Ende der 80er-Jahre immer stärker den Weg in den Mainstream. Depeche Mode werden plötzlich sogar als Influencer für den Underground-Technosound aus Detroit gehandelt. Der Band ist das eher suspekt. Sie versteht sich trotz ausverkaufter Stadien weiterhin nicht als Mainstream-Band.

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Die Band ändert ihre Arbeitsweise radikal

Als Songwriter Martin Gore im Frühjahr 1989 seinen Bandkollegen Dave Gahan, Alan Wilder und Andy Fletcher die Demos zu einem neuen Album präsentiert, klingen sie anders als die Stücke, die sie sonst von ihm gewohnt waren. Zu diesem Zeitpunkt ahnt noch niemand, dass sich unter dem neuen Songmaterial gleich zwei Welthits befinden. Einer der beiden Songs hätte es sehr wahrscheinlich nie zum Klassiker gebracht, wenn die Band bei ihrem neuen Werk nicht grundsätzlich etwas geändert hätte: nämlich ihre Arbeitsweise.

In den 80er-Jahren war Zeit im Studio eine kostspielige Angelegenheit. Deshalb hatte Gore seine Demos bisher stets sehr detailliert vorproduziert. Bei den späteren Aufnahmen ging es oftmals nur noch darum, die richtigen Sounds und Samples zu finden.

Nicht so bei „Violator“. Gore hatte seine Demosongs auf die wesentlichen Strukturen reduziert: Sie bestanden nur aus den Lyrics und Akkorden, die auf der Gitarre oder mit simplen Orgel-Sounds gespielt waren, dahinter wurden einfache Drum-Loops gelegt. Das war’s. Die Demos lieferten nur eine sehr vage Vorstellung von den Songs. Die Idee dahinter: Bevor ein Stück im Studio aufgenommen wird, soll jedes Bandmitglied seinen kreativen Input einbringen können. Depeche Mode wollen sich mehr als je zuvor ausprobieren und experimentieren. Die dafür erforderliche zusätzliche Zeit im Studio konnte sich die Band nun leisten.

Im Studio sorgte der junge Produzent Mark Ellis – besser bekannt als Flood – dafür, dass trotz der neuen basisdemokratischen Zustände alles geordnet am Mischpult zusammenläuft. Flood hatte zuvor als Toningenieur zusammen mit Brian Eno am U2-Album „The Joshua Tree“ gearbeitet. Mit Depeche Mode verband Flood ein Remix („Highland Mix“), den er 1986 von der Single „Stripped“ angefertigt hatte.

Priscilla Presley inspiriert zu „Personal Jesus“

Die neue Arbeitsweise hat umgehend Folgen. In einer ersten mehrwöchigen Studiosession in Mailand stellt die Band nur einen einzigen Song fertig: „Personal Jesus„. Martin Gore hatte sich durch eine Biografie von Priscilla Presley mit dem Titel „Elvis and Me“ zu dem Stück inspirieren lassen. Gore, der nur selten Auskunft über die Bedeutung seiner Songs gibt, erklärt später freimütig:

„Der Song handelt davon, ein Jesus für jemand anderen zu sein, jemand, der Dir Hoffnung und Fürsorge gibt. Es geht darum, wie Elvis Presley für Priscilla Mann und Mentor zugleich war und wie das in einer Liebesbeziehung vorkommt, wie das Herz eines jeden in gewisser Weise wie ein Gott ist. Wir spielen diese gottähnlichen Rollen für andere, aber niemand ist perfekt, und das ist keine sehr ausgewogene Sicht auf jemanden, oder?“

Soundtechnisch geben sich Depeche Mode sehr experimentierfreudig. Für die Snaredrums des prägnanten, stampfenden Grundbeats springen Bandmitglieder in einem Treppenhaus auf Flugkoffern herum und nehmen den dabei entstehenden Sound auf – inklusive Hall. Wer es weiß, kann die Samples im fertigen Stück leicht heraushören.

Durch „Personal Jesus“ zieht sich ein sehr eingängiges, bluesiges Gitarrenriff. Dass Gitarren einen Song derart dominieren, ist ein Novum für die Band. Dennoch – oder vielleicht auch gerade deswegen – entschließen sich Depeche Mode, „Personal Jesus“ als ihre erste Single zu veröffentlichen. Das geschieht im August 1989 und damit noch inmitten der Aufnahmen zum Album, das erst sechs Monate später im März erscheinen wird.

„Personal Jesus“ wurde im Laufe der Jahre von vielen Musikern gecovert. Am wohl bekanntesten ist die Intepretation von Country-Legende Johnny Cash für sein Album „American IV“.

Nach sechs Wochen Studioarbeit in Mailand reisen Depeche Mode aus Norditalien ab. Es gibt in der Stadt einfach zu viel Ablenkung von der Arbeit, vor allem abends in den Clubs.

In Dänemark findet die Band ein ruhigeres Plätzchen. Die PUK-Studios liegen „in the middle of nowhere“, rund 15 Autominuten von der nächsten Stadt entfernt. In dieser abgeschiedenen Lage entsteht ein Großteil des Albums.

Wie „Enjoy The Silence“ von der Ballade zum Welthit wurde

Und Depeche Mode erleben in Dänemark einen magischen Moment. Martin Gore hatte für das neue Album einen sehr ruhigen, balladesken Song mit dem Titel „Enjoy The Silence“ komponiert. Produzent Flood und Alan Wilder sind jedoch der Meinung, dass der Song besser als Uptempo-Nummer funktionieren würde.

Martin Gore ist strikt gegen diese Idee. Ein Song, bei dem es thematisch weitestgehend um Ruhe und Stille geht, kann nach seiner Vorstellung auf keinen Fall ein schnelles Musikstück sein. Doch Flood und Alan Wilder lassen nicht locker. Sie unterlegen den Song mit einem Diskobeat. Martin Gore ist nach wie vor ein Gegner der Idee. Dennoch arbeitet er im Studio am Song mit – nach und nach entstehen die Sounds des Stücks. Allerdings noch ohne das bekannte Gitarrenriff. Gore ist der Ansicht, dass die Band schon genug Gitarren auf dem Album verwendet habe und sträubt sich. Schließlich gibt er nach, der Rest ist Musikgeschichte.

Am Ende des Aufnahmeprozesses ist sich die Band sicher, dass sie gerade einen Hit geschrieben hat. Viele Jahre später räumt Gore ein, dass sein ursprünglicher Widerstand gegen die Entwicklung des Songs Irrtum war: „Ich war strikt dagegen, aber dann wurde es mir immer klarer… Ich möchte diesen Moment nutzen, um mich bei Flood und Alan zu entschuldigen“. Auf der Maxi-Single zu „Enjoy The Silence“ gibt der Harmonium Mix einen guten Eindruck von seiner ursprünglichen Version.

Für „Enjoy The Silence“ wurden Depeche Mode 1991 mit dem Brit Award für die beste britische Single ausgezeichnet.

Die deutschen Fans werden sich noch gut an die Weltpremiere des Songs erinnern. Am 2. Dezember 1989 präsentierten Depeche Mode bei der Aufzeichnung zur Sendung „Peters Popshow“ mit glücklichen Gesichtern den Song erstmals einem Publikum.

Viele Aufnahmesessions führen zu „Policy of Truth“

Zurück nach Dänemark: Im Studio werden nach und nach die restlichen Songs des Albums fertig gestellt. Depeche Mode experimentieren viel und verwerfen viele Ideen. Alle sind mit Eifer bei der Arbeit.

Besondere Schwierigkeiten bereitet der Band der Song „Policy Of Truth„. Nach vielen Aufnahmen und Entwürfen einigt sich die Band auf den bekannten Gitarrensound. Laut Alan Wilder hat wurde dafür eine einzelne Note einer Gitarre gesampelt und sie als Loop über ein Keyboard abgespielt.

Für Martin Gore gehört „Policy of Truth“, der später als dritte Single des Albums veröffentlicht wurde, zu den besten Songs der Band: „Ich mag den Text sehr und das ganze Konzept, dass man lügen muss, um den Schein zu wahren – vielleicht ist es besser, das zu tun. Ich mag einfach die ganze Thematik des Songs.“

„World In My Eyes“ ist eine Hommage an Kraftwerk

Die vierte Single „World In My Eyes“ entstand gleich zu Beginn der Aufnahmesession in Mailand und wurde später in London fertig gestellt.

Inhaltlich dreht sich das Stück um Gores Lieblingsthemen „Liebe und Sex“. Der erklärte Lieblingssong von Andy Fletcher – bei der vergangenen „Memento Mori“-Tour widmete die Band den Song ihrem inzwischen verstorbenen Bandmitglied – fällt sehr elektronisch aus. Die rhythmischen Elemente von „World In My Eyes“ sind eine unüberhörbare Hommage an Kraftwerk.

Am deutlichsten werden die musikalischen Anleihen bei den großen Vorbildern auf der „Dub In My Eyes“-Version der Single, der eine Zeit sogar als Kraftwerk-Mix im Internet gehandelt wurde.

Wer „Violator“ aufmerksam hört, entdeckt weitere Reminiszenzen an bekannte Musiker, vor allem aus der elektronischen Musik: Die Arp-Synthesizerklänge von „Waiting For The Night“ erinnern beispielsweise an den typischen Sound von Tangerine Dream. Und der Basslauf von „Clean“ erscheint wie ein Sample aus dem Pink Floyd-Song „One Of These Days“ – doch Alan Wilder beteuert, dass im Studio ausschließlich Synthesizer und Gitarre eingesetzt worden seien.

„Violator“ wird ab Herbst 1989 in London abgemischt. Hierfür hat die Band François Kevorkian engagiert. Der Franzose kommt aus der Dance-Szene und hatte vorher Kraftwerks „Electric Café“ gemixt. Seine detailversessene Arbeitsweise kostet die Band viel Nerven, denn Kevorkian kommt nur sehr langsam voran. Aber der Franzose setzt mit seiner Art wichtige Akzente für „Violator“ und trägt maßgeblich zum perfekten elektronischen Sound des Albums bei.

Gesucht wird: der lächerlichste Heavy-Metal-Titel

In der Zwischenzeit haben Depeche Mode auch einen Albumtitel für ihr neues Werk gefunden: Violator. Wie schon bei „Music For The Masses“ ist der Name nicht ernst gemeint: „Der Name ‚Violator‘ war als Witz gemeint. Wir wollten den extremsten, lächerlichsten Heavy-Metal-Titel finden, den wir finden konnten. Ich wäre überrascht, wenn die Leute den Scherz verstehen würden.“, so Martin Gore später.

Zur Erfolgsgeschichte von „Violator“ gehört auch das stilbildende Albumcover. Gestaltet wurde es von dem Niederländer Anton Corbijn. Der Star-Regisseur und Fotograf wählte eine Rose als bestimmendes Motiv aus, die den optischen Gegenpol zum martialischen Titel des Werks bildet. Ihre schlichte Vollkommenheit macht die „Violator-Rose“ bis heute zu einer beliebten Tattoo-Stechvorlage unter den Fans.

Anton Corbijn dreht außerdem alle Musikvideos von Depeche Mode für die Singleveröffentlichungen.

Am 19. März 1990 wird „Violator“ schließlich veröffentlicht. Es ist mit schätzungsweise 15 Millionen verkauften Tonträgern das erfolgreichste Album von Depeche Mode.

Auf die Frage, ob Depeche Mode nicht noch einmal ein Album wie „Violator“ aufnehmen könnten, antwortete Dave Gahan einmal sinngemäß, dass dies in etwa so wäre, als würde man Michelangelo bitten, noch einmal die Sixtinische Kapelle zu malen.